Bogotá mejor para todos

Noticias

Garry Stewart, la mente maestra detrás del Australian Dance Theatre

Desde 1999 fue nombrado Director Artístico de la compañía y, gracias a su trabajo, ha hecho famosa a la compañía por crear obras de danza contemporánea a gran escala.

Mientras estudiaba Trabajo Social en la universidad, Garry Stweart vio su primer espectáculo de danza, una experiencia que, en definitiva, cambió su vida y la forma de ver el mundo. Desde ese momento decidió dejarlo todo para empezar una carrera en el arte.

Años después recibió el nombramiento para ser Director Artístico del Australian Dance Theatre, la compañía más antigua de danza contemporánea de Australia, para la cual ha creado majestuosas obras que se han visto en diferentes países del mundo.

Garry Stewart habló con el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo sobre su carrera, su trabajo con diferentes disciplinas y la danza en la actualidad.

Su trabajo se ha visto en casi todo el mundo y ha colaborado con otras grandes personalidades, ¿cómo ha sido ese proceso y qué ha podido aprender de él?

En general, me encanta colaborar con otros artistas. Por supuesto, es una gran decisión colaborar con alguien más. Siempre debe existir un nivel de entendimiento mutuo y compromiso para llegar a un lugar donde sienta que sus dos necesidades creativas se cumplen en orden.

Esto nos permite a ambos manifestar algo que ninguno podría haber hecho solo. Uno tiene que abordar estas situaciones con un grado sustancial de apertura, generosidad y rigor.

He tenido suerte en todas mis colaboraciones y realmente he disfrutado el resultado de todas ellas. Curiosamente, me he dado cuenta de que todos estos proyectos comienzan con dibujos en servilletas en los cafés. Incluso los proyectos más ambiciosos.

Leí que creó una herramienta para un proceso de rehabilitación para pacientes con daño neurológico, cuéntenos al respecto, ¿cómo puede la danza ayudar a la rehabilitación?

Sí, esta herramienta solo está en una etapa de prueba "beta". Emplea la tecnología de video interactivo que utilicé en uno de mis trabajos escénicos, Proximity. En este proyecto colaboré con un ingeniero de video francés, Thomas Pachoud, que creó una serie de extraordinarios efectos de video en vivo que manipulan la morfología del cuerpo.

Durante el proceso de hacer este trabajo, me preguntaba si la tecnología podría ayudar con la propiocepción y la conciencia corporal para las personas que sufren daños neurológicos por accidentes cerebrovasculares, aneurismas y accidentes automovilísticos, etc. Entonces contacté a la Profesora Susan Hillier de la Universidad de Adelaide. Ella es una neurocientífica que investiga metodologías innovadoras en la rehabilitación de pacientes que han experimentado daño cerebral adquirido. Probamos la tecnología en un gran centro de rehabilitación en Adelaide y, afortunadamente, todos los pacientes y los médicos respondieron de una manera increíblemente positiva. Así que ahora estamos tratando de obtener fondos para desarrollarlo más.


La compañía mezcla otras disciplinas, como la fotografía y la robótica, ¿por qué ?, ¿cuál es el propósito?

Cuando comencé a coreografiar, me fascinaban las posibilidades del cuerpo danzante. Con el paso de los años, se volvió menos interesante como una actividad singular, así que comencé a preguntarme de qué manera otras tecnologías y elementos escénicos pueden extender e interrumpir el cuerpo y el escenario y hacer que veamos el cuerpo de formas nuevas.

Estas colaboraciones me han permitido hacer esto. Sin embargo, el ‘The beginning of nature’ es un retorno al cuerpo y a la composición del movimiento, la noción elemental del cuerpo que está en el centro de la investigación coreográfica.

Hablemos de los movimientos, mirando las obras de la compañía, realizan pasos fuertes y repentinos, pero al mismo tiempo, limpios y elegantes, ¿cómo mezclar cosas que parecen tan diferentes?

Estos cambios en las cualidades de movimiento son texturas. Son como ediciones en película. Crean tiempo a través de la manipulación del ritmo, que es la división del tiempo. El movimiento se relaciona con la dramaturgia de la pieza y su viaje conceptual.

Como experto en este arte, ¿cómo ve la danza hoy?

Como todos los artistas, los coreógrafos están informados por los tiempos en que viven. ¿Cuáles son los problemas más urgentes que ocupan nuestro pensamiento y energía? ¿Cuáles son las cosas más importantes que se deben decir? Más que nunca, necesitamos hacer un trabajo que cuente, en lugar de simplemente crear una distracción más estética. Las personas también quieren conexión. Esto puede ocurrir a través de la participación directa, pero aún puede suceder, con mucha fuerza, en un espacio teatral oscuro.

Como miembros de la audiencia, aún podemos sentirnos conectados con la experiencia del desempeño y la calidad de su significado. La audiencia completa la totalidad de una actuación. El rendimiento en sí mismo requiere una audiencia para su existencia y para que su significado emerja.

Así que creo que los coreógrafos se centran en el fenómeno de esta conexión y sentido de propósito, cualquiera que sea la forma que tome.

¿Cuál cree que es la característica principal que diferencia al Australian Dance Theatre y las coreografías de otras compañías?

Mi trabajo ha cambiado mucho en los últimos años. Hace algún tiempo estaba más preocupado con el cuerpo como un instrumento de asalto enérgico que creaba una exigente presencia del cuerpo. En parte, estaba reaccionando contra las nociones de belleza con las que la danza parecía estar trabajando.

Siento que ahora he agotado esa búsqueda, por mí mismo, pero creo que mi trabajo aún posee una inmediatez de presencia. Creo que esto siempre guiará mi trabajo.